Après All the boys love Mandy Lane et Wackness, nous pouviez être sûrs que je suivais de près la carrière de ce petit malin de Jonathan Levine. Pourtant, une troisième fois la sortie de son film est encore sacrifiée au profit de plus « gros»  films de moins bonne qualité (ne comptez pas sur moi pour tailler une nouvelle fois la parodie de film de vampire qui squatte les écrans). Cette fois ci, c’est avec un sujet atypique que débarque Levine : la gestion de la maladie (une maladie mortelle) chez les jeunes adultes.

Adam a 27 ans et une vie plutôt bien rangée entre sa très belle petite amie artiste et son meilleur pote qui est aussi son collègue de travail. Pourtant au détour d’un rendez vous chez le médecin, il apprend qu’il est porteur d’une tumeur maligne à la colonne vertébrale et que ses chances de survie sont de 1 sur 2. Soit 50/50.

La force de 50/50 réside dans l’humanité de ses personnages. Une humanité palpable, évidente, loin des clichés manichéens du classique buddy movie auquel l’affiche prétend. Le ton est à la légèreté jamais à la gaudriole et, comme dans la vraie vie, rien n’est aussi simple qu’il n’y parait. Adam, pauvre victime du sort, est donc malgré son sourire angélique loin d’être le gendre idéal et son meilleur ami (très justement interprété par Seth Rogen), monstre de vulgarité cache sous ses abords bourrus une sensibilité à fleur de peau.

Donc c’est dans la subtilité que 50/50 brille, dans sa réflexion sans pathos, sans larmes ni trompettes. Il s’agit juste là d’un coup dur de la vie, de ceux dont on sort grandit si on s’en sort. Et c’est vrai qu’on en sort grandit… même souriant.

De ce long métrage sur un sujet grave qui dérange, il n’est à retenir qu’une chose : il semble que ce ne soit pas au cinéma d’en parler. Markus Schleinzer réussit le pari fou de présenter une œuvre dont le mauvais goût rivalise d’inhumanité avec son thème. Un exploit abject.

Michael a 10 ans et, depuis son kidnapping, partage sa vie avec Wolfgang, 35 ans. Cinq mois de cohabitation atypique et terrible et où les tensions, les non-dits, la violence et l’horreur font partie du quotidien.

Alors que ce sujet en appelle à beaucoup de pudeur et de respect des victimes dans l’inconscient collectif, le réalisateur Markus Schleinzer prend le contrepied de « l’empathie » avec le tortionnaire pour faire parler de son film. Nullement pour faire avancer le débat. Plusieurs fois, il tente les scènes chocs, d’un mauvais goût certain, qui humanisent autant qu’elles ridiculisent celui qu’on ne peut plus percevoir comme un monstre. Seulement c’est aussi son manque d’audace qui caractérise le film, et ces provocations molles sont d’autant plus détestables qu’elles ne sont que diffuses, noyées dans le pathos et le suspense dégueulasse du traitement infligé à Michael.

Les jeux du cirque à hauteur d’enfant. Ce qui frappe dans l’échec de ce film, c’est la position de spectateur qu’il oblige à garder au spectateur. Aucun jugement n’est permis, pas de réflexion non plus, la place n’est même pas laissée aux maigres encouragements mentaux qu’on pourrait envoyer à ce pauvre Michael. Pauvre ? Pas tant que ça. Dans l’univers étrange de Markus Schleinzer, l’enfant joue des sentiments qu’il suscite, rivalise de perversité et de manipulations pour arriver à ses fins. Que son but soit de s’échapper n’effleure même pas l’œil froid et déviant de la caméra.

Il semble après réflexion que Michael ne soit qu’une blague, une accumulation de clichés et de scènes attendues pour nourrir un voyeurisme dont on n’imagine pas qu’il puisse exister chez le spectateur. Et le seul public qui pourrait être touché autrement qu’en insulte par ce film est alors clair : la communauté pédophile. A fuir de toute urgence donc.

Si l’on peut dire quelque chose de premier film de Stéphane Rybojad, c’est qu’à son modeste niveau, il crée le débat. Accusé d’être un brûlot propagandiste pro-armée par la critique, celui ci est en effet âprement défendu par les quelques militaires présents sur le web. Et si l’opération commando qu’il décrit fait un flop dans les salles, la campagne de promotion des forces spéciales sur la toile, elle, bat son plein.

Elsa Casanova, grand reporter de son état, enquête en Afghanistan quand elle est prise en otage par les talibans. Sa vie est clairement en danger quand l’état français décide d’envoyer une troupe de ses meilleurs hommes la récupérer sur place, une unité des forces spéciales.

Soyons clair tout de suite, il n’y a rien à sauver dans Forces spéciales. Ni les interminables plans de matériels et de véhicules de l’armée dignes de ses pires clips publicitaires, ni les dialogues dignes des plus mauvais films de Jean-Claude Van Damme, ni la réalisation qui ne sait pas se fixer sur l’action et se contente de nous donner le mal des transports (justement), ni le montage qui donnerait des crises d’épilepsie à n’importe qui. La totalité de ces éléments d’une lourdeur à faire pleurer est baignée dans une musique électro-rock indéfinie et derrière tout ça, les acteurs se débattent dans une histoire qui ne les met jamais en valeur.

Alignant cliché sur cliché, Stéphane Rybojad réussit à ridiculiser et rendre antipathique une unité entière du fleuron de l’armée française. Car si il apparaît évident que le but de ce gâchis, en dehors d’offrir du grand spectacle, c’est de remettre en avant des personnages délaissés par le cinéma en France, c’est aussi une évidence que l’hommage est raté et que l’absence totale de cinématographie et de recul relève plus de l’insulte que du cadeau.

Laid et pathétique, Forces spéciales ne réussit même pas dans son échec à être un divertissement passable, son visionnage reste de l’ordre de la torture militaire. C’est triste mais c’est comme ça.

Derrière cette jaquette au goût contestable se cache un de mes premiers souvenirs de cinéma. Un mercredi après midi, pour l’anniversaire (13 ans) d’une de mes camarades de classe, nous voilà une bonne vingtaine à mater notre premier porno. Celui là et la cassette souvenir de la nuit de noces de Pamela Anderson et Tommy Lee. Bien plus que le contenu explicite c’est la première partie du métrage qui m’a marquée : on y voit une bande de personnages malpropres, certainement pas oscarisés, jouer au poker dans une salle sombre. Sous la table, la fameuse miss Todd tente avec succès de déconcentrer l’un des joueur. Depuis, le poker hante mes fantasmes de cinéma.

Les cartes, l’ambiance, la testostérone et je ne sais pourquoi mais le fait de n’avoir aucune idée des règles rendait le jeu encore  plus mystérieux et donc plus attrayant. Comme aujourd’hui, ces parties de mah jong dans certains films coréens où les pièces d’un jeu complexes et hypnotiques qui amènent souvent à des excès de violence et me fascinent.

Quand j’ai enfin commencé ma puberté c’est le film Les joueurs qui a confirmé cet engouement. J’ai une âme de joueuse. La pièce de double face dans Batman, les secondes finales palpitantes et osées de 187 code meurtre, ces éléments de suspense on ne les retrouve que très peu dans dans des films de poker puisqu’il est compliqué, il est vrai, de clairement faire l’apologie d’un vice qui peut devenir maladif. Pourtant on sous-estime le potentiel jouissif d’une bonne scène de poker au cinéma.

Bien loin de l’effet de mode populaire (les mallettes de poker best-seller des derniers Noël et le dernier des cousins beaufs qui joue une partie le samedi entre deux parts de pizza avec les potes), le poker est et restera la clé de grandes scènes de cinéma. De cinéma traditionnel ou de cinéma pornographique d’ailleurs.

Cette bonne vieille Miss Todd l’avait compris en 1988. Je pense à elle parfois, et sa scène de poker coquin reste une des meilleures que j’ai vu au cinéma…

Ah… on me dit dans l’oreillette que le sexe et le poker sont deux activités bien distinctes et qu’on joue mal quand on est stimulé (je le sais, je me suis déjà fait rejeter à cause d’une partie en ligne) et moi qui pensais qu’on pouvait mêler le sexe à tout et même à la maintenance informatique (cf. Opération espadon), me voilà bien déçue.

Quatrième film de George Clooney en tant que réalisateur, Les Marches du pouvoir le confirme comment un metteur en scène sur lequel il faut compter. Thriller Politique composé de dialogues virtuoses et d’un casting époustouflant, Les marches du pouvoir est à la fois une plongée dans l’avenir proche des USA (bientôt les élections) et un retour sur le passé (d’un cinéma désuet et classieux des années 50).

Pour accéder aux élections présidentielles dont il convoite le glorieux poste, le gouverneur Morris doit d’abord gagner une primaire démocrate afin d’acquérir le maximum de grands électeurs. Pour ce faire, il s’est entouré de Stephen Meyers, un jeune idéaliste dont le talent attise la convoitise de ses concurrents. Mais le jeune homme est mis à rude épreuve quand il découvre la face sombre des élections, les coups bas et les manigances.

Le cinéma de George Clooney est depuis toujours empreint de son admiration pour le flegme et la patine des années 50/60 aux USA. Ainsi, Les Marches du pouvoir baignent dans un classicisme formel tout à fait délectable, une manière anti spectaculaire et humaine de gérer les situations et enfin des personnages virils dont la tête tourne à cause d’une belle ingénue ou des journalistes à grosses lunettes qui fourrent leur nez partout. On sent comme une nostalgie du cinéma de Sydney Lumet, d’Alfred Hitchcock et, on peut dire que dans un sens, l’hommage est à la hauteur de ses références. Même si cela n’empêche pas quelques fautes de goût comme une confrontation dans une cuisine avec jeux d’ombres et de lumières et… absolument aucune émotion du tout.

Mais Les Marches du pouvoir est aussi un film profondément ancré dans son temps. D’abord dans le choix de son casting. Si la présence de George Clooney dans ses films, et dans ce film en particulier même si il y excelle, reste discutable, l’acteur réalisateur donne ici sa chance (et passe un peu le flambeau en quelque sorte) à un jeune premier que le grand public est à peine en train de découvrir : Ryan Gosling. Celui ci, s’il brille d’abord par son physique et son charisme dans ses précédentes sorties en salles, fait preuve ici d’une maturité de jeu décoiffante et laisse présager du meilleur pour la suite.

Dense en dialogues et pourtant simple sur son scénario, classique et formel mais aussi contemporain, idéaliste et critique, Les Marches du pouvoir se joue des convenances pour n’appartenir qu’à son seul instigateur. Et l’on se souviendra sans peine que George Clooney délivre avant tout un cinéma unique, à son image.

Après Versailles et sa surprenante et légère poésie, le réalisateur Pierre Schoeller livre une chronique à hauteur d’homme des arcanes du pouvoir. Une plongée passionnante dans ce qu’un ministère à de meilleur et de pire à offrir à celui qui y officie.

Bertrand Saint-Jean est un ministre des transports fort occupé qui ne cherche rien tant qu’à défendre les idées qui lui tiennent à cœur. Volontaire, il parcoure la France et les plateaux des grands médias pour défendre ses opinions, mais n’oublie jamais ses manigances d’homme de pouvoir.

A la tête de cette fresque contemporaine juste et humaine, se place un Olivier Gourmet à la fois impérial et impétueux, faillible et indestructible. Avec Michel Blanc en bras droit, rien ne peut arrêter ce duo d’hommes de cœur et d’esprit, aux préoccupations dédiés à la France et si loin pourtant des véritables enjeux quotidiens de ses concitoyens. Spectateur de la tragédie qui se joue sous ses yeux, de la crise à la française et des désirs triviaux Bertrand Saint-Jean se laisse emporter comme un homme perméable avant tout. Et c’est par un très subtil et intelligent jeu sensoriel autour de la musique et de l’image que le réalisateur réussit à nous faire partager le cyclone de la vie de politique.

Car c’est dans l’action que se déroule ce tronçon de vie, une action permanente qui permet à l’homme de tenir debout, droit dans ses convictions malgré les attaques, les complots, les coups de poker et les coups du sort. Souvent l’air perdu, comme parachuté contre son gré, tiraillé par son devoir et en souffrance, le ministre révèle toute sa complexité dans une dualité sublime et, devant la caméra toute puissante de Pierre Schoeller, trouve une légitimité sans pareille.

Loin des critiques qu’il est toujours bon formuler contre le pouvoir, L’exercice de l’état ne se pose ni en admirateur ni en conspirateur mais dans une posture de respect et de poète. Le parallèle avec la tragédie grecque est alors de mise, bien sûr.

En 1982, 1 an avant la chute du régime à Buenos Aires, Maria Teresa est embauchée comme surveillante au prestigieux lycée national de Buenos Aires. Formée par le surveillant général Mr. Biasutto, elle apprend à être à l’affût du moindre écart des élèves, un œil invisible, sans conscience, qui ne rate rien. Pourtant, le fragile équilibre mis en place dans l’établissement et la vie de la jeune femme est en proie aux mêmes bouleversements qu’à l’extérieur.

S’il n’est pas très original d’utiliser les rouages et les codes d’une institution pour mieux traiter de révolutions, autant personnelles que plus globales, L’œil invisible a l’avantage de vite délaisser son décor pour mieux se concentrer sur son héroïne. Celle ci, interprétée par la bien étrange Julieta Zylberberg et dont ne saura vraiment jamais si son visage est laid ou beau, concentre en effet en son sein les bouleversements d’un pays, des premières passions aux chocs culturels, des découvertes à la torture des questionnements.

En effet, cette jeune femme tombée amoureuse sur un regard (et dont on sent vite qu’il n’est décisif que parce qu’il est le premier et le seul) contraintes aux carcans d’une micro-société en déclin s’enflamme petit à petit avec une ténacité et une régularité remarquables. Dommage que le réalisateur ne se soit borné à lui donner les tics et des expressions alternant entre la vieille fille revêche sèche comme un coup de trique et la sainte vierge en orgasme intellectuel permanent (mais d’où vient donc cette manie de fermer les yeux pieusement pour renifler la nuque de son aimé ?).

Car de la subtilité dans L’oeil invisible, il ne faut pas en chercher. Les situations s’enchaînent avec une totale évidence scénaristique (même jusqu’au final, il faut bien l’avouer) et les personnages sont croqués à la truelle. Rien de nouveau donc du coté de la révolution argentine, ou même du coté des récits de vieilles filles ébranlées par de jeunes damoiseaux.

Il faut bien admettre cependant que la caméra de Diego Lerman, malgré son extrême formalisme, rend un hommage visuel à cette période révolue. Le travail sur la lumière également et sur les filtres de couleurs apportent définitivement à la fois une patine mais aussi un contraste fort entre le quotidien académique de la jeune femme et ses rares sorties dans le monde extérieur. Celui ci est alors perçu avec justesse par le spectateur comme un monde d’excès, de vulgarité et de débauche… mais de liberté aussi. Une liberté qui finira par enivrer, et on s’en félicite, Maria dans un ultime élan de pouvoir et de révolution.

L’oeil invisible, de Diego Lerman, est disponible en DVD depuis le 19 octobre chez Pyramide Vidéo.

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Tomboy, deuxième long métrage de Céline Sciamma est une performance. L’envie folle de se détacher de l’angoisse du « deuxième film» , celui qui est attendu, celui qui peut conclure une carrière à peine commencée. Ecrit, tourné et monté dans l’urgence c’est pourtant dans un espace temps suspendu que se passe cette histoire atypique de petite fille qui voulait être un petit garçon et qui transpose ses fantasmes enfantins dans la réalité.

Loin de porter un jugement autre qu’un discours de tolérance, c’est un regard touché, un regard nostalgique que pose la réalisatrice sur cette partie de l’enfance qui n’en fait déjà plus tout à fait partie. 1h15 suffisent à nous faire partager l’univers de Laure qui devient Mickaël, comme une parenthèse dans sa vie, dans cet été, et dans la nôtre, de vie. De victoires de garçons au football, aux épreuves que cela comporte, le propos du film est finalement que la difficulté d’être un garçon. C’est du moins ce que nous explique la réalisatrice dans le passionnant entretien en bonus de ce DVD à sortir cette semaine.

Tomboy, après La naissance des pieuvres, qui j’avoue m’avait laissé sur le coté, confirme Céline Sciamma comme observatrices des corps en évolution, des premiers émois amoureux quels qu’ils soient, d’un monde où les codes d’adultes n’ont pas de prise. Et la poésie des images, la beauté et la pureté des visages, la force de vie de ces gamins nous emmènent loin, dans les souvenirs de cours de récré et d’étés à construire des cabanes.

Mention spéciale aux jeunes acteurs et à Mathieu Demy, touchant en père souvent absent. La performance tient largement ses promesses. Un grand bravo à tous pour se film qui en dit beaucoup avec peu et ne dérange jamais avec un sujet sensible.

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Deuxième épisode halluciné du trio de choc mis en scène par Todd Phillips, Very Bad Trip 2 passe de Las Vegas aux cotés obscurs de la sombre Bangkok. Avec les ingrédients qui ont fait le succès du premier opus, l’équipe ose un copié collé audacieux mais en définitive relativement faible.

C’est au tour de Stu de se marier avec une adorable jeune femme d’origine thaïlandaise. Alors qu’il préfère fêter l’évènement dans le calme et la volupté d’une charmante île de pêcheurs, ses compères lui préparent un enterrement de vie de garçon digne de ce nom. Mais une nouvelle fois, nul ne sait où leur folie, l’alcool et la drogue vont les arrêter.

En utilisant exactement le même canevas que le premier épisode, réveil douloureux, reconstitution de la nuit, disparition d’un membre de la bande, Very Bad Trip 2 éteint par avance tout effet de surprise et emmène en même temps le spectateur sur un terrain connu. Ici, rien d’autre ne compte que de repousser les limites du mauvais goût et de suivre de façon bienveillante les tribulations de nos trois compères. Pour combler les faiblesses du scénario, de perpétuelles références à leur aventure précédente viennent nous rappeler à quel point celui-ci était réussi.

Avec comme moteur la peur, celle de ne pas réussir à se sortir de ce mauvais pas, celle de vieillir, celle de ne pas faire rire, le film et ses protagonistes cultivent, et c’est une erreur, le trop. Ce rythme effréné, doublé d’une volonté à ajouter sans arrêt de nouveaux personnages et de nouvelles étapes au périple, est à la fois épuisant pour le spectateur mais aussi pathétique.

Pourtant, on ne pourra pas reprocher à l’ensemble une absence totale et salutaire de limite à l’humour, et si l’on se souvient du bébé mimant un acte masturbatoire dans le premier opus, on se délecte ici de lady boys, de micro-pénis, de références à des actes zoophiles, tous pas du meilleur goût mais du meilleur effet.

Folie hystérique à l’haleine chargée, Very Bad Trip 2 est un divertissement (trop) léger, une publicité malgré lui au premier épisode et peut-être le commencement d’une franchise dont le meilleur n’est certainement pas à venir. Et pourtant il reste toujours un exemple de ce que le pire peut parfois amener de meilleur, tant il est seul aujourd’hui à prendre ce chemin au cinéma.

(article publié sur artistikrezo.com)

(sortie le 25 mai 2011)

Troisième film de l’actrice Jodie Foster en tant que réalisatrice (après Le petit homme en 1992 et Week-end en famille en 1996) sélectionné hors compétition pendant le Festival de Cannes, Le complexe du castor cache derrière son sujet original et loufoque une grande sensibilité et une grande tendresse.

Walter est un chef d’entreprise et père de famille comblé mais une terrible dépression détruit sa vie peu à peu. Alors qu’il est au bord du gouffre et prêt à commettre l’irréparable, il trouve une marionnette en peluche de castor et commence à en faire usage pour s’exprimer à nouveau. Mais Walter est vite manipulé par la marionnette dont il est convaincu qu’elle a une vie propre.

Film sans prétentions, Le complexe du castor rappelle sous bien des aspects le film culte d’Harold Ramis avec Bill Murray Un jour sans fin. Car malgré des références perpétuelles aux problèmes psychiatriques de son personnages c’est par l’humour et le détachement que les situations les plus complexes sont abordées. Comme Phil Connors c’est en touchant le fond et en reconstruisant peu à peu sa personnalité que Walter pourra de nouveau vivre sa vie.

On note dans le regard de Jodie Foster, en tant que réalisatrice, comme une véritable tendresse pour ses personnages et une vision optimiste et pleine d’espoir des possibilités de chacun. Cette bienveillance est aussi une des raison du succès du film en même temps qu’il le confine dans un genre accessible à tous. Sans avoir peur d’aborder la dépression, le suicide ou la drogue, le film garde cependant un ton bon enfant, rassurant et intime.

Les frasques récentes de Mel Gibson relayée dans la presse prennent ici une saveur différente et l’acteur y est même touchant en fou possédé par une peluche. A se battre à l’écran contre ses démons, en interprétant ces deux rôles avec le talent qu’on lui connait l’acteur se rachète doucement une image publique et prouve qu’il n’est pas encore prêt à disparaître de nos écrans.

Simple et juste, loufoque et grave, Le complexe du castor est une surprise légère et douce aux subtilités parfois un peu trop cachées mais à l’honneteté évidente.

(article publié sur artistikrezo.com)

(sortie le 25 mai 2011)