De ce long métrage sur un sujet grave qui dérange, il n’est à retenir qu’une chose : il semble que ce ne soit pas au cinéma d’en parler. Markus Schleinzer réussit le pari fou de présenter une œuvre dont le mauvais goût rivalise d’inhumanité avec son thème. Un exploit abject.

Michael a 10 ans et, depuis son kidnapping, partage sa vie avec Wolfgang, 35 ans. Cinq mois de cohabitation atypique et terrible et où les tensions, les non-dits, la violence et l’horreur font partie du quotidien.

Alors que ce sujet en appelle à beaucoup de pudeur et de respect des victimes dans l’inconscient collectif, le réalisateur Markus Schleinzer prend le contrepied de « l’empathie » avec le tortionnaire pour faire parler de son film. Nullement pour faire avancer le débat. Plusieurs fois, il tente les scènes chocs, d’un mauvais goût certain, qui humanisent autant qu’elles ridiculisent celui qu’on ne peut plus percevoir comme un monstre. Seulement c’est aussi son manque d’audace qui caractérise le film, et ces provocations molles sont d’autant plus détestables qu’elles ne sont que diffuses, noyées dans le pathos et le suspense dégueulasse du traitement infligé à Michael.

Les jeux du cirque à hauteur d’enfant. Ce qui frappe dans l’échec de ce film, c’est la position de spectateur qu’il oblige à garder au spectateur. Aucun jugement n’est permis, pas de réflexion non plus, la place n’est même pas laissée aux maigres encouragements mentaux qu’on pourrait envoyer à ce pauvre Michael. Pauvre ? Pas tant que ça. Dans l’univers étrange de Markus Schleinzer, l’enfant joue des sentiments qu’il suscite, rivalise de perversité et de manipulations pour arriver à ses fins. Que son but soit de s’échapper n’effleure même pas l’œil froid et déviant de la caméra.

Il semble après réflexion que Michael ne soit qu’une blague, une accumulation de clichés et de scènes attendues pour nourrir un voyeurisme dont on n’imagine pas qu’il puisse exister chez le spectateur. Et le seul public qui pourrait être touché autrement qu’en insulte par ce film est alors clair : la communauté pédophile. A fuir de toute urgence donc.

Si l’on peut dire quelque chose de premier film de Stéphane Rybojad, c’est qu’à son modeste niveau, il crée le débat. Accusé d’être un brûlot propagandiste pro-armée par la critique, celui ci est en effet âprement défendu par les quelques militaires présents sur le web. Et si l’opération commando qu’il décrit fait un flop dans les salles, la campagne de promotion des forces spéciales sur la toile, elle, bat son plein.

Elsa Casanova, grand reporter de son état, enquête en Afghanistan quand elle est prise en otage par les talibans. Sa vie est clairement en danger quand l’état français décide d’envoyer une troupe de ses meilleurs hommes la récupérer sur place, une unité des forces spéciales.

Soyons clair tout de suite, il n’y a rien à sauver dans Forces spéciales. Ni les interminables plans de matériels et de véhicules de l’armée dignes de ses pires clips publicitaires, ni les dialogues dignes des plus mauvais films de Jean-Claude Van Damme, ni la réalisation qui ne sait pas se fixer sur l’action et se contente de nous donner le mal des transports (justement), ni le montage qui donnerait des crises d’épilepsie à n’importe qui. La totalité de ces éléments d’une lourdeur à faire pleurer est baignée dans une musique électro-rock indéfinie et derrière tout ça, les acteurs se débattent dans une histoire qui ne les met jamais en valeur.

Alignant cliché sur cliché, Stéphane Rybojad réussit à ridiculiser et rendre antipathique une unité entière du fleuron de l’armée française. Car si il apparaît évident que le but de ce gâchis, en dehors d’offrir du grand spectacle, c’est de remettre en avant des personnages délaissés par le cinéma en France, c’est aussi une évidence que l’hommage est raté et que l’absence totale de cinématographie et de recul relève plus de l’insulte que du cadeau.

Laid et pathétique, Forces spéciales ne réussit même pas dans son échec à être un divertissement passable, son visionnage reste de l’ordre de la torture militaire. C’est triste mais c’est comme ça.

Quatrième film de George Clooney en tant que réalisateur, Les Marches du pouvoir le confirme comment un metteur en scène sur lequel il faut compter. Thriller Politique composé de dialogues virtuoses et d’un casting époustouflant, Les marches du pouvoir est à la fois une plongée dans l’avenir proche des USA (bientôt les élections) et un retour sur le passé (d’un cinéma désuet et classieux des années 50).

Pour accéder aux élections présidentielles dont il convoite le glorieux poste, le gouverneur Morris doit d’abord gagner une primaire démocrate afin d’acquérir le maximum de grands électeurs. Pour ce faire, il s’est entouré de Stephen Meyers, un jeune idéaliste dont le talent attise la convoitise de ses concurrents. Mais le jeune homme est mis à rude épreuve quand il découvre la face sombre des élections, les coups bas et les manigances.

Le cinéma de George Clooney est depuis toujours empreint de son admiration pour le flegme et la patine des années 50/60 aux USA. Ainsi, Les Marches du pouvoir baignent dans un classicisme formel tout à fait délectable, une manière anti spectaculaire et humaine de gérer les situations et enfin des personnages virils dont la tête tourne à cause d’une belle ingénue ou des journalistes à grosses lunettes qui fourrent leur nez partout. On sent comme une nostalgie du cinéma de Sydney Lumet, d’Alfred Hitchcock et, on peut dire que dans un sens, l’hommage est à la hauteur de ses références. Même si cela n’empêche pas quelques fautes de goût comme une confrontation dans une cuisine avec jeux d’ombres et de lumières et… absolument aucune émotion du tout.

Mais Les Marches du pouvoir est aussi un film profondément ancré dans son temps. D’abord dans le choix de son casting. Si la présence de George Clooney dans ses films, et dans ce film en particulier même si il y excelle, reste discutable, l’acteur réalisateur donne ici sa chance (et passe un peu le flambeau en quelque sorte) à un jeune premier que le grand public est à peine en train de découvrir : Ryan Gosling. Celui ci, s’il brille d’abord par son physique et son charisme dans ses précédentes sorties en salles, fait preuve ici d’une maturité de jeu décoiffante et laisse présager du meilleur pour la suite.

Dense en dialogues et pourtant simple sur son scénario, classique et formel mais aussi contemporain, idéaliste et critique, Les Marches du pouvoir se joue des convenances pour n’appartenir qu’à son seul instigateur. Et l’on se souviendra sans peine que George Clooney délivre avant tout un cinéma unique, à son image.

Après Versailles et sa surprenante et légère poésie, le réalisateur Pierre Schoeller livre une chronique à hauteur d’homme des arcanes du pouvoir. Une plongée passionnante dans ce qu’un ministère à de meilleur et de pire à offrir à celui qui y officie.

Bertrand Saint-Jean est un ministre des transports fort occupé qui ne cherche rien tant qu’à défendre les idées qui lui tiennent à cœur. Volontaire, il parcoure la France et les plateaux des grands médias pour défendre ses opinions, mais n’oublie jamais ses manigances d’homme de pouvoir.

A la tête de cette fresque contemporaine juste et humaine, se place un Olivier Gourmet à la fois impérial et impétueux, faillible et indestructible. Avec Michel Blanc en bras droit, rien ne peut arrêter ce duo d’hommes de cœur et d’esprit, aux préoccupations dédiés à la France et si loin pourtant des véritables enjeux quotidiens de ses concitoyens. Spectateur de la tragédie qui se joue sous ses yeux, de la crise à la française et des désirs triviaux Bertrand Saint-Jean se laisse emporter comme un homme perméable avant tout. Et c’est par un très subtil et intelligent jeu sensoriel autour de la musique et de l’image que le réalisateur réussit à nous faire partager le cyclone de la vie de politique.

Car c’est dans l’action que se déroule ce tronçon de vie, une action permanente qui permet à l’homme de tenir debout, droit dans ses convictions malgré les attaques, les complots, les coups de poker et les coups du sort. Souvent l’air perdu, comme parachuté contre son gré, tiraillé par son devoir et en souffrance, le ministre révèle toute sa complexité dans une dualité sublime et, devant la caméra toute puissante de Pierre Schoeller, trouve une légitimité sans pareille.

Loin des critiques qu’il est toujours bon formuler contre le pouvoir, L’exercice de l’état ne se pose ni en admirateur ni en conspirateur mais dans une posture de respect et de poète. Le parallèle avec la tragédie grecque est alors de mise, bien sûr.

Troisième film de l’actrice Jodie Foster en tant que réalisatrice (après Le petit homme en 1992 et Week-end en famille en 1996) sélectionné hors compétition pendant le Festival de Cannes, Le complexe du castor cache derrière son sujet original et loufoque une grande sensibilité et une grande tendresse.

Walter est un chef d’entreprise et père de famille comblé mais une terrible dépression détruit sa vie peu à peu. Alors qu’il est au bord du gouffre et prêt à commettre l’irréparable, il trouve une marionnette en peluche de castor et commence à en faire usage pour s’exprimer à nouveau. Mais Walter est vite manipulé par la marionnette dont il est convaincu qu’elle a une vie propre.

Film sans prétentions, Le complexe du castor rappelle sous bien des aspects le film culte d’Harold Ramis avec Bill Murray Un jour sans fin. Car malgré des références perpétuelles aux problèmes psychiatriques de son personnages c’est par l’humour et le détachement que les situations les plus complexes sont abordées. Comme Phil Connors c’est en touchant le fond et en reconstruisant peu à peu sa personnalité que Walter pourra de nouveau vivre sa vie.

On note dans le regard de Jodie Foster, en tant que réalisatrice, comme une véritable tendresse pour ses personnages et une vision optimiste et pleine d’espoir des possibilités de chacun. Cette bienveillance est aussi une des raison du succès du film en même temps qu’il le confine dans un genre accessible à tous. Sans avoir peur d’aborder la dépression, le suicide ou la drogue, le film garde cependant un ton bon enfant, rassurant et intime.

Les frasques récentes de Mel Gibson relayée dans la presse prennent ici une saveur différente et l’acteur y est même touchant en fou possédé par une peluche. A se battre à l’écran contre ses démons, en interprétant ces deux rôles avec le talent qu’on lui connait l’acteur se rachète doucement une image publique et prouve qu’il n’est pas encore prêt à disparaître de nos écrans.

Simple et juste, loufoque et grave, Le complexe du castor est une surprise légère et douce aux subtilités parfois un peu trop cachées mais à l’honneteté évidente.

(article publié sur artistikrezo.com)

(sortie le 25 mai 2011)

Petit génie du cinéma contemporain, Nicolas Winding Refn a marqué avec Drive la sélection officielle du festival de Cannes. Audacieux et coloré, agressif et jouissif, Drive est un divertissement de luxe très fortement inspiré par une imagerie tirées des années 80, et une influence évidente du réalisateur Brian de Palma.

Un cascadeur de cinéma, garagiste à ses heures perdues, change de visage à la nuit tombée. Chauffeur pour des casses, il loue ses précieuses minutes aux pires malfrats. Mais quand les sentiments s’en mêlent, il commence à prendre des risques inconsidérés. Trahi, meurtri, l’homme concentre désormais ses forces sur sa terrible vengeance.

Après sa trilogie « Pusher », le poseur Bronson et le contemplatif Guerrier silencieux, Nicolas Winding Refn marque avec Drive son amour d’une mise en scène et d’une photographie toutes puissantes. Concentré principalement sur le choc, visuel et psychologique, le cinéma de Nicolas Winding Refn est un cinéma coup de poing, agressif et sans concession. Et c’est dans son scénario simplissime, l’interprétation monolithique de l’acteur américain Ryan Gosling, la musique survitaminée et l’imagerie hystérique que Drive tire ses cartes du jeu.

Jouissif et puissant, le film attire par son déchaînement d’hormones mâles, de voitures bariolées, de filles dénudées, de poses dignes de magazines. En perpétuel mouvement, Drive est l’équivalent cinématographique d’impressionnants manèges de fêtes forraines. Et le réalisateur excelle dans le dosage de cette hormone drogue en distillant régulièrement des scènes d’une violence inouïe.

Cette claque est autant à associer au dernier opus de la saga « Fast and Furious » qu’à Body Double tant le réalisateur dose avec malice et talent les ingrédients addictifs. Plastiquement irréprochable, Drive se joue des codes, de la mode, des genres pour créer un univers unique, empreint de références mais qui n’appartient pourtant qu’à lui.

(article publié sur artistikrezo.com)

(sortie le 5 octobre 2011)

Après Pardonnez moi et Le bal des actrices, la réalisatrice controversée Maïwenn Le Besco (sœur d’Isild et ex-femme de Luc Besson) a marqué le festival de Cannes 2011 avec Polisse une plongée humaine dans une brigade de protection des mineurs de Paris.

Entre les auditions de pédophiles présumés, d’affaires de vols perpétués par des mineurs et d’horreurs du quotidien, l’équipe de la brigade des mineurs partage coups de gueule et coups de cœur, découragement et espoir. Quand une photographe est mandatée par le ministère de l’Intéreur pour réaliser un reportage photo, l’équipe révèle ses souffrances et ses bonheurs. Une histoire humaine.

Comme toujours dans son cinéma, la réalisatrice se met en scène, personnifiant son regard de caméra par sa présence à l’écran, quasi muette, émue ou choquée. Comme toujours aussi, elle fait porter son histoire par un casting tentaculaire fait de gloires du cinéma français, d’un rappeur controversé et de jeunes espoirs. Polisse assène réfléxions sur les limites de l’humain, sur la difficulté de vivre et sur l’espoir mais n’oublie jamais sa toile de fond faîte d’inspiration de faits divers révoltants.

2h15 de plongée dans les tréfonds de l’âme humaine à travers les yeux d’une équipe composée de gens simples. Et c’est ici le seul défaut de Polisse, la simplicité de son propos et sa réalisation scolaire rappelant perpétuellement les meilleurs épisodes de la série télévisée New York : Unité Spéciale.

Divertissant malgré la gravité de son sujet, parfois drôle, souvent dur, Polisse est une comédie réaliste honnête mais qui manque d’ampleur et d’universalité. Pourtant, il marque définitivement la crédibilité de la comédienne réalisatrice Maïwenn Le Besco et confirme le rappeur Joey Starr comme acteur de talent.

(article publié sur Artistikrezo.com)

(sortie le 17 octobre 2011)

Dix ans après le troisième opus, Wes Craven propose aux accros de Ghostface et de canulars téléphoniques sanglants un épisode à mi-chemin entre nouvelle génération gavée aux réseaux sociaux et aux séries télévisées et personnages historiques qui commencent à prendre de l’âge. Et s’il a donc tout pour conquérir un nouveau public, Scream 4 ravira-il les fans de la première heure ?

Alors que Sidney Prescott, la survivante des meurtres de Woodsboro, revient en ville pour dédicacer son livre de développement personnel, un nouveau Ghostface refait surface et commence une sanglante chasse à l’homme dans le lycée local. Heureusement que Dewey et Gale n’ont jamais quitté les lieux et mènent l’enquête avec brio.

Nouvel épisode, nouvelles règles. Le saut de génération a modifié les codes, le film d’horreur consommé en masse a lui-même changé, il était donc indispensable d’intégrer ces bouleversements dans cette saga qui ont à jamais revisité l’horreur grand public. Ces dernières années, les limites du gore ont été repoussées et les perversions les plus incongrues ont été portées sur grand écran. Mais si Scream 4 s’inscrit dans cette nouvelle époque, il ne prend jamais le parti de changer sa recette. Les meurtres au couteau, les effets de suggestion et l’esprit potache restent donc des constantes et les plus anciens afficionados retrouveront avec délices les ingrédients qui ont, à l’époque, fait le succès de la saga.

Toujours aussi référencé et ancré dans l’histoire du cinéma de genre et dans l’histoire tout court, on perçoit clairement un regard amusé et ironique sur cette nouvelle génération artificielle, blasée et virtuelle. Malin et malgré tout subtil, Scream 4 rappelle que Wes Craven et Kevin Williamson maîtrisent encore le frisson pop et loufoque qui a fait marqué toute une génération.

(sortie sur les écrans le 13 avril 2011)

(article publié sur artistikrezo.com)

Mr. Nice raconte l’invraisemblable histoire d’un citoyen anglais qui mit en place un réseau titanesque et international de drogue douce entre les années 70 et les années 90. Ce personnage plutôt méconnu en France est campé par un Rhys Ifans en très grande forme. Dommage que le rythme et la qualité de la reconstitution historique laissent grandement à désirer.

L’histoire tumultueuse d’Howard Marks, de jeune génie bouseux du fond du pays de Galles aux villas de luxe de la côte ouest américaine. Grandeur et décadence d’un militant de la libre consommation de drogues douces à l’époque où la violence n’était pas une obligation à condition d’avoir le sens du partage et un certain talent pour les combines fumeuses.

Ce biopic décontracté combine plusieurs défauts dont, en premier lieu, le choix du réalisateur de tourner certaines des scènes des années 60 en utilisant un fond vert et des vidéos de décors d’époque. Inutile et grossier, ce procédé est aussi d’une laideur absolue. Complètement fasciné par ce personnage loufoque et instantanément sympathique, le réalisateur s’enfonce et se complait dans les moindres détails de l’histoire et oublie de n’en venir qu’à l’essentiel. En résulte un film d’un peu plus de deux heures à l’action et à l’intérêt en dents de scie.

Toujours submergé par le charisme de l’acteur et la folie de l’affaire, le film ne propose aucun contre-pied à la gravité des faits et se contente de donner de grandes tapes sur l’épaule d’Howard Marks, aka Mr. Nice, comme si malgré sa condition de narcotrafiquant récidiviste, celui-ci avait gagné ses galons de héros national.

Témoignage d’une époque désormais bien révolue, somme des performances très efficaces de Rhys Ifans et de Chloé Sévigny, Mr. Nice est une comédie où la suavité et la douceur des effluves de cannabis est souvent recouverte par l’acre et amère réalité.

(sortie sur les écrans le 13 avril 2011)

(article publié sur artistikrezo.com)

Pour faire rêver les trentenaires célibataires (celles qu’anciennement Helen Fielding appelait les « célibattantes ») carriéristes et un peu gaffeuses, toute une collection de films a fait son apparition depuis les années 80 et le cultissime Working girl. Aventure romantico-humoristique autour de péripéties convenues, Morning Glory ne déroge pas à la règle mais combine aussi une bonne partie des défauts du genre. Décevant.

Becky Fuller est une jeune femme jolie et ambitieuse dont la vie amoureuse et la vie professionnelle est au point mort. Elle accepte de reprendre le poste de productrice de la pire matinale télévisée du pays et petit à petit son humour, son talent et sa force de caractère lui permettent de rencontrer l’amour et de travailler avec son idole.

Si les talents sont au rendez-vous, Rachel McAdams, Harrisson Ford ou encore Diane Keaton, l’écriture et la réalisation n’apportent rien de nouveau là où tout a déjà été fait, écrit (dans le très florissant genre de la chick litt) ou tourné. Un happy end dégoulinant de bons sentiments vient clore une succession de péripéties clownesques entre pathétique et ridicule gênant. Tout, dans le personnage de Becky appelle à l’image fantasmée des trentenaires d’aujourd’hui : carriéristes célibataires sans enfant (ni chien ni chat), au look savamment étudié et suintant une sympathie niaise. Difficile donc d’ignorer le pur produit marketing là où certains ont réussi à créer un véritable univers original : 500 jours ensemble ou Le mariage de mon meilleur ami.

À la croisée de deux univers, la comédie romantique girly et le film de présentateurs télé, Morning glory n’excelle dans aucun. Sous couvert de légèreté, les personnages sont roulés dans la fange pour une critique (mais en est-ce vraiment une ?) de ce que veulent voir aujourd’hui les spectateurs à la télévision.

Manipulateur et beaucoup plus cynique qu’il n’y paraît au premier abord, Morning glory est une de ces productions dont il vaut mieux oublier l’existence et dont la consommation et le plaisir immédiat qu’il en découle est à double tranchant : image de la femme ridiculement cliché, discours de sacrifice et de persévérance au travail post crise financière. Un divertissement basses calories au goût plus amer que sucré.

(sortie le 6 avril 2011)

(article publié sur artistikrezo.com)